El actor es uno de los consentidos del cine de acción.

De los héroes de acción de la década de los 80 y 90 uno de los nombres que resalta de una extensa lista es sin duda alguna el de Jean-Claude Van Damme, el actor belga hoy celebra 65 años tirando las patadas voladoras en cintas como “Kickboxer”, “Contacto sangriento” o “La búsqueda”.

El actor se acercó al séptimo arte luego de conquistar las artes marciales, siendo una de las artes marciales que practicó desde joven hasta alcanzar un alto nivel. Obtuvo el cinturón negro primer dan en karate Shotokan a los 18 años y compitió en torneos internacionales desde los 15 años, acumulando un récord de 44 victorias y solo 4 derrotas entre 1976 y 1980. Fue miembro del equipo nacional de Bélgica y ganó el campeonato europeo de karate en 1979 en Bruselas.

Antes de esto trabajaba en cualquier cosa que se atravesara por su camino como taxista, camarero, entrenador e, incluso, seguridad de un local propiedad de Chuck Norris, otra leyenda del cine de acción, que de hecho le dio su primera oportunidad en Hollywood en su filme “Perdido en acción”.

Van Damme tiene una relación interesante con el ballet, ya que lo utilizó como parte fundamental de su entrenamiento físico desde joven. Cuando empezó su camino hacia la fama, tomó clases de ballet durante cinco años con la finalidad de mejorar su flexibilidad, algo crucial para su carrera como artista marcial y actor de películas de acción.

La obra de Van Dame es tan variada como géneros cinematográficos existen lo que lo hace un actor multifacético como cuando se involucra en aventuras deconstructivas como “J.C.V.D.” (2008) o series como “Jean Claude Van Johnson” (2016); o da rienda suelta a su lado irónico haciendo de villano de “Los indestructibles 2” (2012); al secundario de la hilarante “Bienvenidos a la jungla” (2013) o al héroe cansado de “El último mercenario” (2021).

Emigró a Estados Unidos en 1982 con la meta de convertirse en estrella de Hollywood. Su gran salto a la fama llegó con la película «Contacto sangriento» (1988), donde interpretó a Frank Dux y popularizó su icónica «patada de helicóptero». FOTO: Archivo

Llama la atención en la carrera de Van Damme es su conexión con el cine de acción oriental, que comienza con “Doble impacto” (1991) con las cuales dio oportunidad a directores asiáticos que de hecho contribuyeron a que sus películas no sean sólo secuencias de acción.

John Woo, Tsui Hark o Ringo Lam, son algunos de los nombres que destacan y que ya habían demostrado sus habilidades, no solo para filmar cine de acción sino también para demostrar una narrativa vertiginosa y disruptiva, en su país de origen.

Las películas protagonizadas por Van Damme, las cuales a veces también eran escritas e incluso dirigidas por el actor belga, crearon y destacaron en el cine de entretenimiento, en su forma más pura.

En su vida personal Van Damme se ha casado cinco veces. En 1980 se casó con María Rodríguez y permaneció casado hasta 1984. En 1985 se casó con Cynthia Derderian, y se divorciaron en 1986. Contrajo su tercer matrimonio en 1987 con Gladys Portugués y tuvo dos hijos: Kristopher Van Varenberg y Bianca Bree; la pareja se divorció en 1992. En su cuarto matrimonio, con la modelo Darcy LaPier, estuvo casado de 1994 a 1997 y tuvo a su hijo Nicolás. En 1999 se casó por quinta vez y nuevamente con Gladys Portugués, con la que permanece casado hasta la fecha.

El actor señala que es muy importante generar la sensación de comunidad en estos tiempos difíciles

Para Gael García la mejor manera de combatir el miedo que se está viviendo en estos tiempos, es escribir libros y hacer películas.

El actor de “Mozart in the jungle”, trabajo que le valió el Globo de Oro, así como de “Y tu mamá también” y “Rudo y cursi”, tuvo esta mañana un encuentro con la prensa, en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia.

En el certamen presentó ayer una función especial de “Amores perros”, en su 25 aniversario; apoyó al documental «ASCO», del que es productor, estuvo presente en la proyección de “Magallanes”, su más reciente filme, aún sin fecha de lanzamiento en México.

“Me ha tocado la transición en el cine, de hacer una película que esperábamos nadie la fuera a ver, a ahora, en la que pensamos a dónde se va a presentar”, resumió sobre la manera en que ahora se ven las películas.

Consideró que el cine es importante para la formación de personas, pues permite generar empatía con la realidad de otro, generando una sensación de comunidad de poder cambiar las cosas.

Conferencia de Prensa de Gael García en el Teatro Rubén Romero. Foto: Berenice Fregoso/EL UNIVERSAL.

En ese contexto, subrayó que ahora se viven momentos de miedo en el que el arte ayudaría.

“Veo un tiempo de mucho miedo, donde el miedo está ganando y hay que seguir escribiendo libros y haciendo película para vencerlos. Así podremos seguir conversando las cosas y seguir discutiendo con mucha más paz en la conversación y la discusión”, sostuvo.

«Amores perros», un clásico

Envuelto en los festejos por los 25 años de “Amores perros”, en la cual interpreta a Octavio, que fue debut en el cine cuando apenas tenía 19 años de edad, Gael apuntó que se trata de una cinta que ya es obligación verla.

“Ya no lo digo como opinión, sino como un dato. El que quiere estudiar cine debe ver en algún momento; si eres joven y no te tocó, tienes que hacerlo. Los compañeros de mis hijos apenas la están viendo.

“Hay un momento similar a cuando nosotros veíamos películas en la que de la adolescencia íbamos a madurez, como ‘Naranja mecánica’ (de Stanley Kubrick, 1971) de la que hablaban puntual. ‘Amores perros’ hace una terrible pregunta que es a dónde vamos, hacia dónde vamos y eso, cuando eres joven, es una pregunta que te moviliza mucho”, externó.

En «Cacería de brujas», la actriz interpreta a una académica cuyo prestigio se resquebraja, y reflexiona sobre lo que significa sostener una coraza en tiempos de juicio y vulnerabilidad

No todos los días Julia Roberts te recibe hablando de santos.

EL UNIVERSAL tuvo la oportunidad de reunirse con ella en el Hotel Cipriani de Venecia, pocas horas después del estreno mundial de su reciente película «Cacería de brujas» en la Muestra.

En el ambiente aún flotaba la expectación que dejó la proyección del realizador Luca Guadagnino («Challengers», «Call me by your name»), que volvió a la pantalla grande con un drama moral de alto voltaje encarnado por Roberts y Andrew Garfield.

“¿Estamos a salvo, entonces?”, preguntó la actriz de «Mujer bonita» en una breve introducción sobre quién es San Benito, monje italiano conocido por proteger contra el mal en esa región.

Y justo ese santo (o muchos otros) bien podrían ayudar a su personaje, Alma, una profesora de Yale que no se protege con medallas, sino con algo más temible: una reputación construida que se ve desmoronada.

Su nueva cinta, ya en cartelera, trata sobre el derrumbe de una académica brillante que debe enfrentar un error del pasado cuando un antiguo alumno (interpretado por Garfield) regresa para cuestionar su actuar.

Y aunque la cinta se sitúa en el ámbito universitario, Roberts reconoce que el dilema es mucho más amplio: hoy se espera que todos seamos fuertes ante cualquier señalamiento, incluso cuando las críticas son injustas o, muchas veces desproporcionadas. En sus palabras, esa fortaleza impuesta puede volverse insostenible.

“(Alma, su personaje) es tan misteriosa… Me interesaba entender por qué quería parecer fría, casi de acero. ¿Qué está protegiendo? ¿Qué está escondiendo? Eso es lo opuesto a mi naturaleza”, reflexiona la actriz respecto a su acercamiento con el conflicto que plasme su personaje al ser difamado.

Ambientada en el campus universitario de Yale donde la genialidad convive con la ambición, la película muestra cómo el prestigio puede desmoronarse en un instante. Garfield es Hank, el académico que se convierte en el detonante de la caída de su exprofesora, un antiguo alumno convertido en espejo de las contradicciones de su aclamada tutora; un papel tan seductor como moralmente ambiguo.

Roberts quiso subrayar la energía del rodaje que imprimió su director.

“Fue impresionante ver su alegría y entusiasmo en medio de una historia tan oscura. Es alguien que exige lo mejor de todos, pero con cariño. Un verdadero motor del equipo”.

Julia interpreta a Alma, la temida exprofesora del personaje de Andrew Garfield, quien la confronta. Fotos: Alberto Pezzali / AP y Sony Pictures Entertainment

La percepción de Julia es algo que también compartió su coestelar, para quien esa complicidad trascendió el set. Algo que comenzó, según recordó, desde su primer encuentro de trabajo con Roberts.

“Fue en su casa. Estaba nervioso, porque Julia pesa mucho en nuestra imaginación, es una diosa del cine que todos tenemos en mente. Pero en cuanto crucé la puerta, se me pasó: encontré a alguien cercano, cálido, una madre increíble, una esposa maravillosa, una amiga y una cómplice. Fue como reencontrarme con alguien que ya quería, sin saberlo, ser un miembro de mi familia”.

Roberts intervino entre risas pidiéndole a Andrew que continuara con los cumplidos interminables hasta que lo tomó de la mano y comentó juguetona:

“Lo que quiere decir es que conectamos enseguida, ¿verdad?”.

“Exacto”, remató él. “Fue maravilloso”.

Entre la armadura y la complicidad

En su proyección, el filme encendió el debate sobre el poder, la culpa y el papel del perdón desde el minuto en que llegaron los créditos finales. Y es que en «Cacería de brujas» Guadagnino vuelve a explorar las zonas grises del espíritu.

“Cuando leí el guion de Nora Garrett vi esas escenas llenas de conversaciones sobre cultura y poder y me recordó a las grandes escenas de ‘All about Eve’ (Joseph Mankiewicz, 1950). Me pareció algo tan cinematográfico que quise intentarlo”, contó el director.

“Poder tener a actores como Roberts, Garfield, Michael Stuhlbarg o Chloë Sevigny interpretándolos fue un privilegio irresistible”, explicó el realizador, al que no le extraña que le digan que al comienzo de la historia el filme parece recrear el tono retórico y visual de las películas de Woody Allen.

Nada es blanco o negro en esta Cacería. Así lo explicaron Julia Roberts y Andrew Garfield, quienes, sentados codo a codo en su encuentro con este diario, rieron a la vez que reflexionaron juntos.

Ella iba impecable con un conjunto clásico pero desenfadado: bermudas beige, camiseta y saco negro sobre los que resaltaba un collar de piedras de colores que hacían un guiño a los cristales de Murano, el arte característico de la región del Véneto.

Él, en contraste, llevaba una camisa de seda colorida y divertida que trajo el verano al exquisito entorno. Diferentes en apariencia, pero perfectamente sincronizados al hablar, se complementaban, se sonreían, se daban pie, como si siguieran dentro de la película.

Esa misma conexión atraviesa a sus personajes en el mundo que recreó Guadagnino.

Diferentes en apariencia, pero perfectamente sincronizados al hablar, se complementaban, se sonreían, se daban pie, como si siguieran dentro de la película. Esa misma conexión atraviesa a sus personajes en el mundo que recreó Guadagnino y que Julia resumió así:

“Luca crea mundos que estudian la vida interior y exterior de las personas. Ninguna relación en esta película está a salvo de las complicaciones ni de las heridas”.

En esa tensión entre vulnerabilidad y defensa se instala la película. Guadagnino, más que juzgar, invita a mirar de frente los mecanismos del perdón, según apuntó:

“La canción «É preciso perdoar» suena varias veces (dijo recordando la letra de João Gilberto). No es casual que la música hable de la necesidad de perdonar. Porque la película sí toma postura: la de que hay que mirar sin cinismo lo que nos duele”.

Andrew coincide con el realizador: la cinta no habla de encontrar culpables, sino en habitar las preguntas incómodas.

“Siempre me ha fascinado su cine: complejo, estimulante. Lo que más me atrajo fue que Luca no quiere que nadie repita fórmulas. Los dos proyectos que me ofreció, «Caza de brujas» y «Artificial», están muy lejos de mis registros anteriores y eso me entusiasmó”, precisó acerca de la otra película que también acaba de rodar con Guadagnino y que se espera llegue a las pantallas el próximo año.

«Caza de brujas» es una película de choques y reflejos entre generaciones, entre la pureza intelectual y el deseo, entre el pasado que reclama reparación y un presente que no sabe cómo concederla. Guadagnino filmó esos dilemas con una belleza incómoda: los encuadres pesan como veredictos y los silencios obligan a posicionarse. En tiempos de discursos rápidos y certezas morales prefabricadas, lo que defendió Luca es que la propuesta que hace al espectador en esta historia es, “que se atreva a detenerse en la duda. Y aceptar que el arte a veces debe incomodar para seguir vivo”.

Su extensa filmografía incluye un papel en «El Padrino», donde interpretó a la esposa de Al Pacino, y numerosos éxitos de Woody Allen

La actriz estadounidense Diane Keaton, ganadora del Oscar en 1978 por su papel en «Annie Hall», falleció en California a los 79 años, anunció este sábado un portavoz de la familia a la revista People.

La revista explicó que no se revelaron de inmediato más detalles sobre las circunstancias de su fallecimiento.

Keaton debutó en Hollywood con «Lovers and Other Strangers» («Amantes y otros extraños»), en 1970.

Su extensa filmografía incluye un papel en «El Padrino«, donde interpretó a la esposa de Al Pacino, y numerosos éxitos de Woody Allen, con quien mantuvo una gran amistad tras haber sido durante mucho tiempo su compañera, musa y actriz favorita.

Su papel protagónico en la comedia romántica del director neoyorquino «Annie Hall» le valió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz en 1978.

Recibió tres nominaciones más: por «Reds», película estrenada en 1981, «Simple Secrets» (1996) y «Anything’s Gotta Give» («Alguien tiene que ceder», en América Latina, y «Cuando menos te lo esperas», en España), en 2003.

La actriz continuó actuando hasta mucho más allá de sus 70 años.

Destacó su participación en «Book Club» («El club del libro»), en 2018, donde interpretó a una jubilada, así como en «Poms» («Mejor que nunca»), en 2019.

Woody Allen y Diane Keaton caminado por las calles de Nueva York en 1970. Foto: Archivo.

Diane Keaton no pensaba en la jubilación

En una entrevista con la AFP tras el estreno de «Mejor que nunca», Keaton declaró que no pensaba en la vejez ni en la jubilación.

«Y si nadie me vuelve a llamar (para filmar), tengo un montón de aficiones que me apasionan y que ocupan mi tiempo», declaró.

Siendo soltera y madre de dos hijos adoptados, también afirmó no arrepentirse de nada, incluida su vida personal.

«Creo que soy una de las pocas mujeres solteras de mi edad que ha hecho películas sin casarse. ¿Quizás soy una anomalía?», bromeó la actriz, quien ha mantenido romances de larga duración con estrellas como Warren Beatty y Al Pacino.

«¡No soy infeliz!», concluyó.

En su último papel cinematográfico, en 2024, Diane Keaton coprotagonizó «Summer Camp» («Campamentos de verano»), con Kathy Bates y Alfre Woodard.

Las actrices que le dan vida a «La Chilindrina», ¡son una misma!

María Antonieta de las Nieves y Paola Montes de Oca son una misma, ambas encarnaron a «La Chilindrina» y ahora protagonizan el promocional de la película «La Sustancia» que llega a la plataforma de streaming HBO.

La película está dirigida por Coralie Fargeat y protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid.

La trama sigue a Elisabeth Sparkle, una estrella de cine caida en desgracia que usa un suero experimental llamado «La Sustancia» que le permite tener una versión más joven de sí misma, pero con consecuencias aterradoras para su identidad y cuerpo.

María Antonieta de las Nieves y Paola Montes de Oca no sólo interpretaron a «La Chilindrina», sno que físicamente son muy parecidas, y en el promocional de la serie protagonizan un crossover muy divertido.

«Ahora todo tiene sentido ¡María Antonieta y Paola son una misma! Pero cuidado con el balance, fíjate, fíjate, fíjate… La sustancia, ya disponible en HBO Max», se lee en el mensaje de la plataforma que acompaña el video.

La Sustancia crea una relación simbiótica donde Elisabeth debe alternar su conciencia entre dos cuerpos, enfrentándose a problemas físicos y psicológicos graves mientras pierde control sobre sus dos versiones.

La serie «Chespirito: Sin querer queriendo», en la que Paola Montes de Oca le da vida a María Antonieta de las Nieves, también se puede ver en HBO.

La actriz de la Época de Oro del cine mexicano gozó de aplausos y reconocimiento tras desafiar el pudor de la época

La sensualidad natural de Ana Luisa Peluffo lució como nunca en la pantalla grande en la película “La fuerza del deseo”, de 1955, cuando la actriz, que hoy cumple 96 años, se atrevió a aparecer desnuda, se trató del primer desnudo en el cine mexicano, lo que generó opiniones encontradas entre el público y la prensa de entonces.

Nadadora, bailarina acuática, pintora y actriz con más de 200 películas, eso atesora Ana Luisa, nacida el 5 de diciembre en Querétaro, estado de la República Mexicana en el que vive desde hace muchos años.

En su cumpleaños, Ana Luisa es recordada por su talento, porte y belleza, cualidades que la hicieron brillar no solo en México sino en el extranjero.

Fue un escándalo cuando en 1955 Peluffo apareció desnuda en la cinta «La Fuerza del deseo», interpretó a Silvia, una modelo que usó su belleza para enloquecer a dos hombres. FOTO: Archivo

Ana Luisa Peluffo posó desnuda sin morbo, sólo con arte

Ana Luisa no fue obligada por nadie a aparecer desnuda en la película de Miguel M. Delgado, donde interpretó a Silvia, una modelo que usó su belleza para enloquecer a dos hombres, a Ricardo (Abel Salazar) y a su maestro (Armando Calvo), lo que genera un conflicto que termina en tragedia.

Mientras a su alrededor se escandalizaron tras el estreno de la cinta, para ella fue totalmente normal, pues gracias a sus estudios en arte, consideró ese desnudo como algo totalmente artístico, bello y sin morbo, pues fue un desnudo estático y estético, sin provocación, como la modelo de un pintor.

Ana Luisa Peluffo y el escándalo por el primer desnudo en el cine

«Debo decir que hubo muchas críticas. En la calle me reclamaban: ‘¡Qué barbaridad, qué desvergüenza!’ Mi padre llegó a decir: ‘¡Qué cosa tan espantosa!’ Claro que mi mamá le decía que había sido una decisión mía, sin presión de ningún tipo y menos por tratarse de conseguir dinero. Era un desnudo estático y estético, sin provocación, como la modelo de un pintor. Sólo así se pudo exhibir», contó la actriz en una entrevista con EL UNIVERSAL.

En ese entonces padeció con los señalamientos de seguidores y periodistas, pues mientras que algunos le dijeron que era una mujer “muy valiente”, otros cuestionaron su decisión diciéndole “¿¡cómo te atreviste!?”, incluso, su padre pensó que lo había hecho por una necesidad económica extrema.

Ana Luisa volvió a aparecer desnuda en cintas como «El seductor» (1955), «La ilegítima» (1956) y «La Diana Cazadora» (1956), donde el promocional advertía que se trataba de una película únicamente para adultos.

Ana Luisa Peluffo protagonizó un desnudo en la cinta de Chano Urueta, «El seductor», donde también actuó Ramón Gay y Amanda del Llano. Hemeroteca EL UNIVERSAL.

“Los cuerpos de las mujeres que inspiraron ‘La Diana Cazadora’ valientemente expuestos en todo su esplendor”, se lee en el cartel que anunciaba la película que generó alboroto en su estreno en el extinto cine Palacio Chino.

Ana Luisa Peluffo protagonizó en 1957 la película «La Diana Cazadora». Hemeroteca EL UNIVERSAL.

Ana Luisa Peluffo pasó a la historia por ser la primera artista que se atrevió a presentarse en la pantalla desnuda y eso tomó por sorpresa al público y llevó a la artista a la cúspide de la fama en forma repentina, casi de la noche a la mañana, siendo muy solicitada por los empresarios teatrales que tuvieron en ella una mina porque el público llenaba el teatro en donde se presentaba.

Intentos de censura en el cine tras los desnudos de Ana Luisa Peluffo en la película «La Diana Cazadora», en 1957. Hemeroteca EL UNIVERSAL.

Para la actriz, quien se casó en seis ocasiones, lo mejor de su polémicos desnudo, fue que esto le abrió el camino para trabajar fuera de México, lo que a su vez ayudó al cine nacional a evolucionar.

«También me llovieron felicitaciones y, lo más importante, se abrió un mercado para el cine mexicano en Europa y pude filmar en Italia, España e Inglaterra. Esas películas quitaron las vendas de nuestro cine y se hizo más realista», reconoció Ana Luisa.

A sus 96 años, la actriz de la Época de Oro del cine mexicano, goza de una tranquilidad en su casa de Querétaro, y de vez en cuando se deja ver en fotografías con colegas que comparten el momento en redes sociales.

El exesposo de la estrella la despidió con un mensaje lleno de amor

Kimberly Hébert Gregory, conocida por su impetuosa actuación como directora en la serie de HBO «Vice Principals», falleció a los 52 años, su exesposo Chester Gregory confirmó su muerte en una publicación de Instagram en la que la recordó con amor.

“Eras la brillantez personificada, una mujer negra cuya mente iluminaba cada habitación, cuya presencia irradiaba fuego y gracia”, escribió.

“Mucho más que una exesposa, eras mi amiga. Nuestro hijo, la canción que escribimos juntos, es el eco viviente de tu luz”.

Kimberly comenzó su carrera artística en el teatro antes de su papel revelación como la Dra. Belinda Brown en la serie de comedia de HBO, «Vice Principals», en 2016; es recordada por haber prestado su voz a Nicole Williams en «Craig of the Creek».

Despiden a Kimberly Hébert Gregory

La comunidad teatral y artística despidió a Kimberly Hébert Gregory en redes sociales, donde su exesposo, el también actor Chester Gregory la despidió con un mensaje extenso en el que resalta sus cualidades y la recuerda como una gran mujer.

Con una serie de fotografías, Chester escribió sobre Kimberly:

«Gracias, Kimberly por cada capítulo que compartimos. Tu historia nunca fue definida por la batalla, pero por la belleza que llevaste a través de ella. Descansa en poder. Descansa en paz. Descansa en el eterno sabiendo que eres amada. Siempre. Kim… Lo hiciste bien. Amanecer: 12/07/1972. Puesta de sol: 10/03/2025».

Ver publicación en Instagram

Bajo los reflejos dorados del telón vitral del Palacio de Bellas Artes y el eco de los aplausos, «Amores perros» volvió a rugir, 25 años después, frente a un público que la celebró no como una película, sino como una herida colectiva.

Entre emociones, reencuentros y acordes en vivo, la cinta de Alejandro González Iñárritu, que marcó el renacimiento del cine mexicano a inicios del milenio, fue homenajeada con una proyección especial y un concierto íntimo de Gustavo Santaolalla, compositor de su banda sonora original.

La noche fue un viaje de regreso al año 2000, cuando «Amores perros» se estrenó en Cannes y encendió una nueva era para el cine nacional. Con su estructura coral, su lenguaje áspero y su retrato crudo de la Ciudad de México, la película transformó la forma en que el mundo veía a los cineastas mexicanos.

“’Amores perros’ fue un acto de fe, de locura, sin expectativas, sin algoritmos ni cálculos racionales. La hicimos con inocencia, y eso es lo más poderoso que hay. Hoy ya no es mía ni de nadie; pertenece a la memoria colectiva de este país. Es un mosaico de un México en trance, de belleza, desigualdad, ternura y violencia. Un país perro lleno de amor”, dijo Iñárritu desde el escenario.

Guillermo Arriaga e Iñárritu, juntos en el Palacio de Bellas Artes a 25 años del estreno de «Amores perros». Foto Hugo Salvador / EL UNIVERSAL.

Estrenada en el año 2000, «Amores perros» fue la ópera prima de Iñárritu y la primera parte de la llamada Trilogía de la Muerte, junto a «21 gramos» y «Babel». Su estructura coral, fragmentada en tres historias conectadas por un accidente automovilístico, reflejaba con crudeza la vida en la Ciudad de México: el amor, la violencia, la desigualdad y la lealtad llevadas al límite.

Los perros, presentes en cada relato, se convirtieron en un espejo de la condición humana: fieles y feroces, nobles y salvajes. La película llevó a México de regreso al Oscar después de 25 años de ausencia, ganó el Premio de la Crítica en Cannes y arrasó con once Premios Ariel. Su éxito internacional cambió el rumbo del cine nacional y abrió el camino para una generación de cineastas que conquistaría Hollywood.

Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu en la proyección especial de «Amores Perros». Foto: Hugo Salvador/ EL UNIVERSAL.

“Volvimos a ser hermanos”: el reencuentro entre Iñárritu y Arriaga

El momento más conmovedor llegó cuando Iñárritu interrumpió su discurso para invitar al escenario a Guillermo Arriaga, el guionista con quien no hablaba desde hace más de dos décadas.

“Hace 20 años hubo una fractura, una separación dolorosa. Pero esta coyuntura ha sido el marco perfecto para dejar nuestras diferencias atrás y reencontrar ese cariño profundo que siempre compartimos”, expresó el director.

El público se puso de pie. Arriaga subió al escenario y, con voz entrecortada, respondió:

“En momentos de vida profunda siempre hay posibilidad de reconciliación. Es hermoso que este señor y yo estemos juntos de nuevo, como lo que siempre fuimos: hermanos.”

El soundtrack que marcó al cine mexicano contemporáneo

Otro de los grandes pilares de «Amores perros» fue su soundtrack, curado por Lynn Fainchtein, que capturó la esencia sonora de la Ciudad de México de finales de los noventa.La selección incluyó a figuras como Café Tacvba, Control Machete, Ely Guerra, Julieta Venegas, Titán, Zurdok y Nacha Pop.

Con el tiempo, ese álbum se convirtió en uno de los soundtracks más emblemáticos del cine mexicano contemporáneo, y consolidó el vínculo entre el rock latino y la narrativa cinematográfica.

Guillermo Arriaga e Iñárritu, juntos. Foto Hugo Salvador / EL UNIVERSAL.

Después de la proyección, el compositor argentino Gustavo Santaolalla tomó el escenario con su ronroco en mano para ofrecer un breve pero poderoso concierto con música de «Amores perros», «Babel» y «21 gramos». El ganador del Oscar recordó que aquella película fue su punto de partida como compositor de cine.

“Qué noche tan especial. Me siento muy feliz de estar aquí. Esta fue mi primera película, la que me marcó para siempre. Aprendí muchísimo de Alejandro, que sigue siendo para mí un faro. Muchas cosas que aprendí entonces las sigo usando hoy. Le debo mucho a esta historia”, dijo.

Santaolalla dedicó la presentación a Lynn Fainchtein, curadora musical de «Amores perros», quien, dijo, “sigue siendo la responsable de que yo haya conocido a Alejandro”.

Con su característico tono pausado, el músico habló de la película como “una obra colectiva” y agradeció “a toda la gente que hizo posible esta increíble aventura”.El compositor invitó al escenario a Emmanuel “Meme” del Real, miembro de Café Tacvba, a quien presentó como “uno de los artistas más grandes del planeta” y con quien mantiene una relación creativa de años.

“Quiero invitar a alguien muy especial, con quien tengo el privilegio de trabajar desde hace mucho tiempo”, dijo el compositor. “Es parte de un grupo legendario, pero ahora también está presentando su primer proyecto como solista. Les presento a Don Emmanuel Meme del Real.”

Gael García, emocionado, aplaude el reencuentro de los creativos del filme. Foto Hugo Salvador / EL UNIVERSAL

Meme, cuyo primer álbum solista fue producido por el propio Santaolalla y lanzado en 2025, recibió una ovación al subir al escenario. Juntos interpretaron «Aviéntame», el tema de Café Tacvba que formó parte del soundtrack original de «Amores perros».

La canción, compuesta a partir de una idea de Iñárritu, cerró la noche entre aplausos, lágrimas y gritos de “¡Bravo!”.

“Una de las ideas de Alejandro era invitar a músicos a ver la película para que se inspiraran. De ahí nació esta canción. ‘Aviéntame’ nos pertenece a todos los que alguna vez fuimos tocados por esta historia”, recordó Santaolalla.

La gala culminó con la proyección de la versión restaurada de «Amores perros», que llegará a los cines el 9 de octubre y a la plataforma MUBI el 24 del mismo mes, con color supervisado por Iñárritu y Rodrigo Prieto y mezcla de sonido surround 5.1.

En la serie «El dentista», el actor será un personaje que se da a la tarea de rastrear al asesino serial

Jack el destripador, el famoso asesinos serial del siglo XIX, ha logrado salir de Inglaterra y llegado a Veracruz, en donde intentará ser atrapado por un médico forense y una química que tienen todo en contra.

Esa es la trama de la serie «El dentista», personaje de Demian Bichir, nominado al Oscar en 2012, y que espera fecha de salida en México, luego de que debutó en la tv de EU la semana pasada.

La producción, basada en la novela «El visitante extranjero«, de Julio Rojas, tiene como piedra angular la llegada del Destripador, a quien se le atribuyen al menos cinco feminicidios de mujeres dedicadas a la prostitución en la ciudad inglesa de Whitechapel, en 1888.

En la vida real jamás se logró su captura: existen diversas versiones de su identidad, entre ellas la de ser un migrante polaco que murió en los albores del siglo XX.

Ahora Bichir será el dentista forense quien, junto con una química (Camila Sodi) descubren al asesino y emprenden una búsqueda con la dificultad de que se trata de un hombre blanco, en una ciudad donde los ingleses tienen poder.

“Es una serie oscura, un thriller, siendo un poco la premisa de que Jack abandona Londres para seguir matando mujeres. Este dentista y la química descubren quién es, dan con su paradero, pero tienen dificultades en el entorno”, cuenta Hari Sama, director de seis de los ocho episodios que conforman la serie.

Se trata de una producción original de ViX, pero de acuerdo con Sama, se decidió otorgar el título a Prime Video para México y Latinoamérica para salir el próximo año.

Como se trata de una coproducción con la compañía española de Movistar, se estrenará en el país europeo a finales del presente año.

Los personajes centrales padecerán de alguna manera la impunidad del siglo XIX, pues al tratarse Jack de un inglés, las cosas se complican.

Los actores Alberto Ammann, Natasha Dupeyrón, Claudia Ramírez, Carlos Aragón, Ianis Guerrero y Dagoberto Gama integran el resto del elenco.