Cine

Luna, la niña que se enfrenta a monstruos para volver a ver a su madre

Romeo de Paz habla de su nueva cinta, que forma parte del festival Feratum.

Todos han tenido el sueño de reencontrarse, al menos por unos instantes, con gente querida que murió, pero ¿usted aceptaría someterse a una serie de pruebas para lograrlo?

Luna, de ocho años de edad y quien ha perdido a su madre, sí. Y entonces comenzará encuentros con diversos monstruos que le irán guiando a su meta.

Ese es el eje de la cinta dirigida por Romeo de Paz y que forma parte de Feratum, festival de cine de género, que desde este fin de semana y hasta el próximo jueves, podrá verse gratuitamente en FilminLatino.

«La película nace en un momento de soledad y desesperación dentro de mi, cuando perdí a mi papá. Supongo todos hemos tenido esta loca de poder volver a ver  o encontrar a un ser querido y aquí se plantea que hay un mágico lugar que da esa posibilidad», explica el cineasta.

«Luna», título del filme, es protagonizada por la pequeña Michelle Balula, quien desde más chica ha acompañado a Romeo en sus cortometrajes.

Uno de los monstruos que le pone reto es llamado El Titiritero, con la capacidad de manejar a su antojo a los niños. También hay por ahí extraños seres con máscaras en su cuerpo.

luna_feratum_optimized.jpg

«Son un poco surrealistas, justamente estos seres no tienen sentido y son reflejo de nuestros miedos. Y son monstruos que respetan algunas leyendas de la cultura mexicana», comenta.

Xochitlán de Vicente Suárez, en Puebla, fue donde se rodó a fines de 2019 la cinta cuyo presupuesto estuvo abajo del millón de pesos.

Romeo estudió animación digital y tomó cursos de dirección y guionismo, este último con Rodolfo Rivapalacio (de Huevocartoon) porque quería hacer animación. De pronto se topó con la acción viva y le gustó.

«Ahora tengo por ahí una película situada con nuestros mayas en 1519, combinando con el terror de la cultura mexicana y tocando el tema de la mujer», apunta.

«Luna» ya fue inscrita en otros festivales esperando ser aceptada.

Adrián Escobar, Julia Landey, Susana del Rocío y Emmanuel Covarrubias forman parte del elenco. También están Ayelén Romano, Florencio Flores, Mónica Pimentel y Ricardo Valdivia.

Nueva demanda contra Alec Baldwin por disparar «sin razón» y matar a Halyna Hutchins

La supervisora del guión demandó al actor por el fatal asesinato de la directora de fotografía Halyna Hutchins durante el rodaje de «Rust» hace casi un mes

Una nueva demanda contra el actor Alec Baldwin asegura que el guión de la película no le obligaba a disparar un arma cuando mató accidentalmente a la directora de fotografía Halyna Hutchins.

La supervisora del guión, Mamie Mitchell, quien avisó a la policía sobre lo ocurrido en el set de grabación en Nueva México, presentó la demanda.

Su abogada, Gloria Allred, acusó al actor de «jugar a la ruleta rusa» cuando disparó el arma sin comprobar su contenido.

Baldwin y los productores de la película, que también fueron nombrados en la demanda, aún no han hecho comentarios.

El actor de Hollywood, que era coproductor del filme, ha negado en varios mensajes compartidos en redes sociales las afirmaciones hechas por miembros del equipo que apuntan a que el set de rodaje era inseguro.

Entretanto, las autoridades siguen investigando lo que ocurrió el 21 de octubre en durante la grabación de «Rust». Hasta el momento no se han presentado cargos penales contra nadie.

«Disparar no estaba en el guión»

La demanda de Mitchell explica que en el guión había tres planos de cámara cerrados: uno de los ojos de Baldwin, otro de una mancha de sangre en su hombro, y un tercero de su torso. Según el texto, ese fue el momento en el que él «se llevó la mano a la funda y sacó la pistola».

«No había nada en el guión que dijera que el arma debía ser descargada por el acusado Baldwin o por cualquier otra persona», indica.

En una rueda de prensa celebrada el miércoles, la abogada de la demandante, calificó de «imprudente» el comportamiento de Baldwin y de los productores de la película, a los que acusó de no seguir los protocolos de seguridad.

Según las actas judiciales, el asistente del director del filme entregó el arma a Baldwin -quien no sabía que contenía munición real- y le indicó que estaba descargada gritando «pistola fría».

Allred afirmó que Baldwin «eligió jugar a la ruleta rusa al disparar un arma sin comprobarla y sin que el armero lo hiciera en su presencia».

La abogada concluyó que esos errores en los protocolos de seguridad «hacían más que probables las lesiones o la muerte de alguien».

De acuerdo con la demanda, Mitchell estaba a poco más de un metro de distancia de Baldwin cuando este disparó el arma.

«Revivo el disparo y el sonido de la explosión del arma una y otra vez», declaró ante los periodistas.

Esta es la segunda demanda que se presenta por el incidente después de que el electricista jefe del plató iniciara una acción legal a principios de este mes.

El armero de la película, responsable de las armas y la munición en el set, ha dicho que no sabe cómo llegó la bala al arma.

El día que Pedro Infante recibió los halagos de la mujer de su vida: su madre

A 104 años del nacimiento de Pedro Infante, recordamos el día que el actor se sonrojó por las palabras que le dedicó su mamá en un camerino del Teatro Lírico

Una noche de agosto de 1952 Pedro Infante terminaba su temporada en el Teatro Lírico, ubicado entonces en la calle República de Cuba el Centro Histórico de la Ciudad de México, donde el cantante, gran consentido del público, no sólo disfrutó del aplauso de la gente, sino que en el camerino lo esperaba alguien muy especial, la mujer de su vida: su madre.

La señora Maria del Refugio Cruz Aranda le llevaba ropa y sábanas a su hijo que recién se había separado de su esposa María Luisa León, resulta que el cantante ocupaba sábanas para cubrir los muebles de su nueva casa ubicada en la carretera de Toluca, era una hermosa finca con una piscina casi olímpica. Su madre estaba muy feliz porque su hijo le había comprado hace poco una casa en Lindavista, donde su numerosa familia iba a visitarla.

Doña María del Refugio tuvo 15 hijos, y en aquel año sus nietos eran más de 60, así que no faltaba quién la visitara, y a pesar del buen nivel de vida que para entonces tenía la familia proveniente de Guamúchil, la sencillez era algo que no habían perdido, en aquella charla, la madre de Pedrito recordó los momentos de pobreza, en ellos, su Pedrito siempre estuvo a su lado.

Con apenas seis años, Infante supo lo que era trabajar y a pesar de que era muy pequeño, ayudó a su madre que se dedicaba a coser.

Foto: Facebook Lupita Infante Torrentera.

“El pobrecito de mi hijo ha trabajado conmigo desde chiquito, allá en Guamúchil cuando apenas tenía seis años me ayudaba infatigablemente, nos daban las tres de la mañana, yo sentada en la máquina de coser, y él sosteniendo la lámpara de gasolina para alumbrarme porque no teníamos luz eléctrica”.

Para 1952, Pedro Infante era toda una estrella consagrada, había triunfado con muchos éxitos cinematográficos como “Nosotros los pobres”,  “Los tres García”, “Angelitos negros” y “Dicen que soy mujeriego”; se cotizaba en el mercado del cine nacional y le iba tan bien que a sus padres los recompensaba con costosos regalos como automóviles y propiedades.

“Hasta la fecha sigue siendo el mismo y gracias a él, tenemos una vejez feliz tranquila su padre y yo. Mire usted, cada 10 de mayo, él me regala un automóvil nuevecito y no hay día que no me pregunte si no necesito algo y si hay cosa que nos haga falta”.

La madre de uno de los galanes predilectos de la Época de Oro del cine mexicano logró sonrojar a Pedrito con los halagos y los reconocimientos a su caridad, a pesar de que a Infante no le gustaba que se supiera lo que hacía para ayudar a la gente.

“Aquí a mi hijo no le gusta que se sepa lo bueno que es, y no nada más con su familia, porque es de los que practican la caridad sin mirar a quién”.

Pedro Infante probó suerte en varios oficios, fue bolero, mandadero y hasta peluquero, cuando ya era un actor consagrado no sólo ayudó a su familia, sino a desconocidos, como fue el caso de los habitantes de Guamúchil, donde Infante construyó una escuela.

Noviembre de 1952, Pedro Infante y Jorge Negrete juntos en el Teatro Lírico.

“Allá en Guamúchil él ha mandado construir una escuela que va a regalarle al pueblo y esto nadie lo sabe. Si yo le contara todas las cosas buenas que hace mi hijo no acabaría. Nunca ha dejado de trabajar desde chiquito y aquí donde usted lo ve ha sido de todo: bolero, mandadero, peluquero”, contó su madre.

La señora María le hacía compañía a su hijo mientras le tocaba pasar al escenario del Lírico, así que en aquella conversación, la madre de Infante desempolvó los recuerdos de cuando su hijo se iba a las rancherías con tijeras, peine y navaja en mano a cortar el cabello y así traer a la casa algunas monedas.

Sobre el accidente aéreo del que Pedro Infante salió con vida, doña María dijo sentirse agradecida con Dios porque su hijo siguiera con vida. Tras el siniestro, Infante se operó el cráneo que le había quedado abollado; el cirujano le colocó una placa que cubría una buena parte de su frente.

Foto: Facebook Lupita Infante Torrentera.

“Una prueba de que Dios lo acompaña en todo momento y le tiende la mano, está la forma milagrosa como salió con vida de de aquel accidente cuando su avión se descompuso en pleno vuelo y tuvo un aterrizaje forzoso ¿Cuántos hay que no salen con vida de accidentes menos graves? Y ahí tiene usted a mi hijo completito y cabal”, expresó complacida.

El público aclamaba a Pedro Infante, el momento para que saliera al escenario llegó en medio de halagos y palabras amorosas de su madre, a quien Pedrito besó en la mano antes de levantarse y salir ante el público; entonces, doña María Luisa le dio la bendición y le dio las últimas recomendaciones para cubrir los muebles de su casa en Toluca.

Amoy y miseria 

María Luisa León fue la primera esposa de Pedro Infante y la mujer que lo acompañó hasta su última morada en el Panteón Jardín, a pesar de que el actor y ella ya no estaban juntos. María Luisa y Pedro iniciaron su romance cuando él aún no era famoso.

En entrevista con El Universal en 1971, María Luisa habló sobre su tesoro más valioso: el amor de Pedro Infante.

La charla con la primera esposa de Pedro se realizó en la que fuera su primera casa, ubicada en la colonia Narvarte, ahí, María Luisa enseñó valiosos objetos del cantante, entre ellos un piano en el que muchas veces ensayó sus canciones, así como la primera guitarra que compró.

La primera guitarra que compró Pedro Infante.

María Luisa y Pedro se conocieron en Culiacán, cuando él era crooner de una orquesta, ella renunció a las comodidades para acompañarlo en el camino del artista y la fama, recuerda que su principal motor fue el amor.

“Sólo teníamos amor, juventud y miseria, tres fuerzas para seguir adelante”, confesó en aquella ocasión en la que se cumplían catorce años de la muerte del artista.María Luisa siempre supo que Pedro tendría un gran futuro en la música, y le auguró éxito desde el inicio.

“Creo que desde que le escuché cantar la primera vez, sabía y creía en su voz tan hondamente sentimental. Una noche llegó con un traje, había estado en el Teatro Colonial y ganó un concurso. Palillo le premió con el traje, yo le pregunté qué habían cantado y me contestó que Nocturnal…esa fue nuestra canción de la buena suerte”, confesó.

La pintura que le regaló un admirador. María Luisa contó que una vez les mandaron a su casa un caballo y no sabían dónde ponerlo.

“Cuando trabajaba en un cabaret del Hotel Reforma, yo misma le vestía y le peinaba, entonces, él me preguntaba muy animoso: ‘¿Cómo se mira tu viejito?, y yo le decía: ‘Muy guapo, Pedro, guapísimo; pero no quiero que te vuelvas vanidoso’. Y él siempre fue sencillo, obediente…me pedía un beso y una bendición. Con él viví realmente una novela , mi novela de amor”.

María Luisa desenterró sus vivencias y confesó que la mejor etapa que vivió con Pedro fue cuando eran pobres, “deveras muy pobres”, y recordó que cuando ya estaban casados comían sólo una vez al día, en aquél tiempo, por 50 centavos se llevaban a la boca un “banquete” que consistía en sopa caldosa, arroz, guisado, plátanos con crema y café.

Alfred Molina: El villano favorito de Tom Holland

Duende Verde, Doctor Octopus, Hombre de arena, Lagarto y Electro son hasta ahora los villanos confirmados para «Spider-Man: sin camino a casa».

En el marco del lanzamiento del segundo tráiler de la cinta de Marvel Studios y Sony, que llegará a cines en diciembre de este año, el protagonista Tom Holland compartió quién de ellos es su favorito.

Eso fue un poco de lo que el actor platicó durante una charla que tuvo esta noche desde Los Ángeles (y que pudo seguirse vía satélite en la Ciudad de México) con fans y miembros de la prensa.

Spider-man: No way home 

«El problema es que todos son mis amigos», dijo Holland ante la pregunta de cuál era su favorito pero no tardó en apuntar a uno de ellos: el Doctor Octopus que interpreta Alfred Molina.

«Creo que mi favorito tiene que ser Alfred Molina, trabajar con él en esta película fue muy divertido porque él se volvió loco por las mejoras tecnológicas que en la industria se han hecho», dijo.

«En 2004 cuando hizo la película de ‘Spider-Man’ los brazos que tenía eran movidos por cuatro personas diferentes y ahora todo está hecho con CGI así que verlo siendo tan libre como el Doctor Octopus fue gratificante», compartió.

El personaje de Molina fue el que causó dolor de cabeza al Spider-Man de Tobey Maguire en la segunda cinta de la trilogía de Sam Raimi y ahora vuelve a su papel para el filme que forma parte de la cuarta fase del Universo Cinematográfico de Marvel.

Tom Holland,  Tobey Maguire y Andrew Garfield

«Verlo tener esa libertad y traer de nuevo a la vida a Octopus de una nueva forma fue sorprendente pero además es una de las grandes personas con las que he trabajado,fue maravilloso trabajar con él», contó Holland.

«Spider-Man: sin camino a casa» se estrenará en salas de cine el próximo 17 de diciembre y traerá de vuelta a personajes como Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) y MJ (Zendaya), entre otros. Además los fans aún tienen fe en que los anteriores arácnidos , interpretados por Tobey Maguire y Andrew Garfield, aparezcan en la cinta.

Cazafantasmas espantan diferencias

Ghostbusters: el legado tiene la misión de unir generaciones, coincidieron actores nuevos y de la vieja escuela durante el estreno neoyorquino

El AMC Lincoln Square Theater de Nueva York fue testigo de uno de los reencuentros cinematográficos más esperados del año: el de los cazafantasmas originales y los de la nueva generación que en el filme de Jason Reitman, Ghostbusters: el legado, encuentran el equilibrio perfecto entre pasado y presente de los personajes.

Una película divertida, llena de sentido del humor y con un emotivo guiño a los orígenes de la cinta y sus personajes, pero con una narrativa actual.

En el filme se narra la historia de cómo, en nuestros días, una madre tiene que mudarse sola con sus dos hijos a una granja familiar en Oklahoma para descubrir su conexión con los cazafantasmas originales y el legado secreto que su abuelo les dejó.

En la premier repleta de fans, los creadores estaban satisfechos con el resultado de este filme que con la pandemia tuvo que retrasar su estreno.

“Conecta dos generaciones: la de ahora y a la que nos tocó ver las primeras dos películas en los años 80”, dijo el oscarizado actor J.K. Simmons en su paso por la alfombra roja.

Simmons tocó un punto central, el tema del legado familiar, algo que su propio director, Jason Reitman, encarna, pues fue precisamente su padre, Ivan Reitman, el director de los Cazafantasmas en los 80.

“Jason (Reitman) realmente tenía idea de cómo visualizar el universo que creó su padre, y tenía una historia bien tejida”. Bill Murray. Actor

Explicó que estuvo todo el tiempo en contacto con su padre al realizar este proyecto.

“Hablo con él constantemente y por supuesto que le pregunté mil cosas y le pedí consejos”.

Por su parte, Ivan Reitman, también en la premier, agregó: “Jason escribió un guión hermoso, la primera vez que lo leí me puse a llorar. Algo que le pedí fue que tratara al filme con mucha seriedad”, aseguró el cineasta.

Bill Murray, del cast original, no dudó en volverse a poner en los zapatos del Dr. Venkman, una vez que leyó el guión.

“Pensé que Jason tenía idea de cómo visualizar el universo que creó su padre”, contó Bill.

Para Dan Aykrod: “Ghostbusters fue un gran regalo, no puedo estar más que agradecido y feliz de poder volver a estar aquí celebrando con ellos”.

El tercer actor del cuarteto original —en el que se echó de menos la presencia del fallecido Harold Ramis— fue Ernie Hudson. “Algo genial de esta cinta es que ha logrado atravesar generaciones”, aseguró.

La actriz Carrie Coon, cuyo papel es crucial en esta entrega, contó: “Creo que hacer una secuela no era fácil, sin embargo, estoy convencida de que Jason logró hacer el filme correcto en el momento perfecto”.

Como dato curioso, Mckenna Grace compuso y cantó la canción de los créditos finales. A sus 15 años tiene ya, además de una carrera como actriz, una como música, por lo que está próxima a estrenar el soundtrack del filme Haunted House, que también protagoniza y codirige con Danny Corey.

Ahora en español, Rodney Ingram vuelve a ser Aladdín

El actor mexicano regresa a su país para protagonizar la obra que por pandemia canceló shows en EU

”Si ven un poco subido de peso a Aladdín es por culpa de la comida mexicana”, bromea el actor Rodney Ingram, quien después de 14 años ha vuelto a México para construir el montaje de Aladdín, el musical, y confiesa que se ha vuelto un turista de su propio país, especialmente de la comida.

El joven de 30 años nació y vivió en Sayulita, Nayarit hasta los 16, edad en la que se dio cuenta que quería apostar por el canto, por el baile, por el teatro e irse a Estados Unidos (de donde es su padre). Esta es la primera vez que vuelve a México desde entonces, tras haber actuado en Broadway y, sobre todo, como protagonista de una de sus historias favoritas.

“El canto fue mi primer amor, mis padres (estadounidense y mexicana) son hoteleros y siempre que venían artistas y mariachis me gustaba cantar con ellos, el aplauso del público siempre me gustó y cuando estaba en la secundaria dije: ‘bueno, si me encanta hacer esto voy a ir a NY a darle a las escuelas, a ver si funciona’, porque me gustaba, pero no sabía si debía hacer una carrera como adulto en ese medio”, dijo.

Su primer acercamiento al personaje fue cuando tenía 22 años y le tocó convertirse en el suplente de Adam Jacobs en Aladdín, pero en Broadway.

“Lo hice dos años en Broadway, pero me tocó subir solamente como 30 veces, cuando nuestro actor protagónico se enfermaba, se iba de vacaciones o por cualquier razón; yo lo empujaba por las escaleras (risas), sí me tocó hacer el personaje. Después me fui al Fantasma de la ópera en el papel de Raúl”.

Cuando por fin llegó su turno de protagonizar Aladdín en 2020, el mundo le dio una sacudida. Llegó la pandemia.

Regresé a Aladdín para tomar el papel principal y lo hice justo dos meses antes de la pandemia. De un día para otro se cerró todo”, compartió.

Rodney tuvo que esperar casi dos años para, por fin, este 17 de noviembre presentarse ante el público en el Teatro Telcel con este musical, pero en su país de origen y lo más importante: en español por primera vez.

“Volver al escenario es una energía que sólo puede existir durante el teatro, durante ese momento vivo, es algo que nos fascina a los actores. Siempre fue mi sueño desde que supe lo que era el teatro musical”.

También se dijo afortunado de estar con un elenco hispano de la misma calidad del de Broadway, entre ellos, Irma Flores en el papel de Jazmín y Juan Pablo Martínez como el genio de la lámpara.

Fallece a los 41 años Heath Freeman, actor de la serie «Bones

Freeman debutó en televisión apareciendo en un episodio de «Urgencias» en 2001

Heath Freeman, actor conocido por interpretar al asesino en serie Howard Epps en dos temporadas de «Bones», ha fallecido a los 41 años.

Shanna Moakler, estrella de realities en Estados Unidos y amiga del actor, desveló que había fallecido «mientras dormía en su casa de Austin, Texas». Sin embargo, se desconoce por el momento la causa de la muerte.

Posteriormente su representante, Joe S. Montifiore, confirmó la noticia mediante un comunicado recogido por Deadline. «Estamos realmente devastados por la pérdida de nuestro amado Heath Freeman. Un ser humano brillante con un espíritu intenso y conmovedor, nos deja una huella imborrable en nuestro corazón. Su vida estuvo llena de profunda lealtad, afecto y generosidad hacia su familia y amigos, y un extraordinario entusiasmo por la vida», reza el texto.

«Estaba extremadamente orgulloso de su reciente trabajo cinematográfico y estaba muy emocionado por el próximo capítulo de su carrera. Su notable legado como hijo, hermano, tío, amigo, actor y productor extraordinariamente talentoso, cocinero consumado y hombre con la risa más contagiosa y espectacular, vivirá para siempre. Que su recuerdo sea una bendición para todos los que lo conocieron y amaron», concluye.

Freeman debutó en televisión apareciendo en un episodio de «Urgencias» en 2001. Consiguió papeles puntuales en producciones como «Navy: Investigación criminal» o «El maravilloso mundo de Disney» hasta que en 2005 se unió a «Bones», apareciendo en tres episodios como Howard Epps. «Sin rastro», «The Closer», «Ganando el juicio» o «Trust Me» son otros de los proyectos televisivos en los que participó.

En la gran pantalla ha trabajado en «Hogar no tan dulce hogar» con Katherine Heigl y Patrick Wilson; «Y el séptimo día» con Guy Pearce; o «Doce huérfanos» con Luke Wilson. El artista tiene pendiente de estreno «Devil’s Fruit» y cuando murió estaba rodando «Terror on the Prairie» con Gina Carano.

La pandemia fue un verdadero reto para «Narcos México»

Marilyn Uribe cuenta cómo fueron los protocolos contra el Covid-19 en la producción de la serie.

Para Marilyn Uribe en la última temporada de «Narcos México» hay un antes y un después que no es perceptible al público. La actriz que interpreta a Alicia María, una de las integrantes del cártel de los Arellano Félix, recuerda esta parte de la historia como una de las más largas y difíciles de grabar. La pandemia detuvo la producción al menos dos veces.

En marzo fue la primera vez que pausaron. Todos acataron el confinamiento estricto con la intención de volver a grabar pronto, pero no fue hasta octubre que retomaron la filmación. Durante una entrevista  Uribe reveló los detalles sobre cómo fue volver a grabar la producción de Netflix en medio de una pandemia.

“Muchas de las escenas que grabamos fueron nocturnas porque eso ayudaba a que no hubiera tantas persona involucradas, pero fue un reto no perder el hilo porque sí tardamos más de un año en terminarla”, contó Uribe.

“No hubo casi contagios porque la producción se lo tomó muy en serio, nos cuidaban incluso cuando no estábamos grabando”, agregó.

Una segunda pausa sucedió a finales del 2020, pero al volver las medidas eran mucho más estrictas. La serie finalmente se estrenó el pasado 5 de noviembre y en la trama no dejó ver las dificultades que causaba el virus mundial.

Los cubrebocas, el gel antibacterial y la toma de temperatura eran parte de las medidas que se vigilaban desde una pequeña carpa destinada únicamente a la prevención de contagios Covid-19, pero además se acataron medidas previas para cada integrante del crew, lo llamaban “La burbuja de Narcos”, según detalla la actriz mexicana.

“Un mes y medio antes de retomar nos empezaron a hacer pruebas cada dos días, no era necesario que nos moviéramos de casa, nos mandaban a una persona que nos hacía la prueba… Había médicos en los sets y si te tocaba grabar te tenían que hacer la prueba ahí en el set, usábamos unas caretas especiales”, detalló Marilyn.

Además el equipo se dividió en tres partes que se distinguían por color. Los de producción, los de maquillaje y las personas con carácter más externo como quienes se encargaban del catering, cada grupo tenía límites de acercamiento.

“Entre ellos traían un monitor pequeño, como una usb que si rebasaban la distancia empezaba a sonar, entonces sabían qué personas habían rebasado la sana distancia y aunque una persona estuviera contagiada y los demás no, mandaban a todos a hacerse prueba y a cuarentena”.

La última parte de la serie que se centra en varios de los carteles más importantes de México teniendo como protagonista al grupo de Tijuana, de donde Marilyn es originaria; será un viaje entre el esplendor y el desplome de Los Arellano Félix, quienes en la vida real fueron aprehendidos desde principios de los 2000.

“Esta temporada habla mucho de la ciudad de Tijuana, sobre la investigación de los periodistas que estaban involucrados en el Semanario Zeta, cómo terminaron Los Arellano y la rivalidad que tenían con El Chapo; creo que se basa mucho en la realidad y estoy muy conforme con el rumbo que llevo esta última temporada que no busca glorificar a los personajes aunque sí muestran un poco más el lado humano que a veces nos olvidamos”.

30 años de «La Bella y la Bestia», la primera película animada nominada al Oscar

La realización de “La Bella y la Bestia” duró tres años y cuentan que sumó el trabajo de casi 600 animadores y más de 15 artistas para crear los casi mil 400 fondos.

El filme animado «La Bella y la Bestia» de Disney se estrenó el 13 de noviembre de 1991, hacer ahora 30 años y recaudó más de 400 millones de dólares en todo el mundo. Fue la más exitosa de aquel año y  la primera película animada  nominada al Óscar como mejor película, cuando no existía siquiera el Oscar para esta categoría.

Después del éxito de “Blancanieves y los siete enanitos”, en 1937,  Walt Disney buscó otras historias para adaptarlas a sus largometrajes animados, y ya entonces pensó en “La Bella y la Bestia”, un proyecto que se intentó producir dos veces antes, en los años 30 y 50 del pasado siglo, pero en ambos casos los productores que lo intentaron retiraron el proyecto al no dar con el tratamiento del guion.

Cuentan que Disney se desanimó al ver la versión de la historia que hizo el director francés Jean Cocteau en 1946, y hubo que esperar hasta 1987, cuando la Disney resucitó el proyecto para dar trabajo al estudio de animación recién abierto en Londres.

La realización de “La Bella y la Bestia” duró tres años y cuentan que sumó el trabajo de casi 600 animadores y más de 15 artistas para crear los casi mil 400 fondos; más los técnicos de efectos de ordenador, precisamente en unos años en que era toda nuevo.

La creación de personajes llevó su tiempo. Para Bella se intentó crear una heroína Disney distinta, con un aspecto más actual, más natural. Se le marcaron más los labios, también las cejas, mientras que los ojos se le acoplaron de un menor tamaño.

Para la Bestia se tomaron  la melena de un león, la cabeza y barba de un búfalo, el hocico de un jabalí, las patas y la cola de un lobo y el cuerpo pesado y enorme de un gran oso.

Cuentan que, para conseguir que los movimientos de los personajes parecieran más reales, los dibujantes asistieron incluso a clases de baile para recrear  la famosa escena en que la pareja protagonista baila un vals.

Cuento moralizante con dos autoras

Pero la historia de la Bella y la Bestia es mucho más de lo que nos han contado. Detrás de esta sorprendente historia hay dos mujeres escritoras, y nada menos que del siglo XVIII. Como es habitual, poco o nada conocidas.

Una de ellas fue Jeanne Marie Leprince de Beaumont, famosa por ser autora de la versión infantil. Una autora que escribió más de setenta libros. En uno de ellos, “El almacén de los niños” (1757), aparece su versión de “La Bella y la Bestia” que popularizó, una versión más corta y censurada que la historia original, porque iba destinada a ser un cuento moralizante para niños.

La idea la tomó a partir de la obra original de Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, mucho más extensa y escrita para adultos en la primera mitad de ese mismo siglo. Madame de Villeneuve fue una aristócrata francesa de la que no se sabe mucho, pues publicaba con sus iniciales y que, al enviudar, se quedó en la ruina y gracias a ello, empezó a escribir.

 “El complejo Bella y Bestia» con final feliz

Como todos sabemos Bella está retenida contra su voluntad en el castillo de Bestia. Al principio, la relación entre ellos es muy tensa y, en ciertos momentos de la película de Disney, hasta llegan a odiarse. Sin embargo, poco a poco, se van conociendo más y más… y terminan  enamorándose.

Al principio no se gustan pero construyen una peculiar amistad. Primera lección que dan: No proyectan ilusiones sobre la persona. Han visto lo peor de cada uno y, por tanto, dan lo mejor de ellos.

Al final, cuando Bella se encuentra con Bestia muriéndose, porque se le está rompiendo el corazón de amor, Bella se lanza y abraza su cuerpo medio inerte, diciéndole que le ama.

Cuando sus lágrimas rozan el cuerpo de Bestia, éste se transforma en el atractivo príncipe y es entonces cuando él relata que un hada malvada le había convertido en una Bestia y que solo encontrando el amor verdadero, con ese aspecto, podía romper el maleficio.

El mensaje directo del cuento sería la importancia de la belleza interior, la que hace que Bella se enamore de un monstruo por fuera, Bestia, pero bueno y con valores por dentro.

No obstante, la atípica relación amorosa ha dado hasta para una denominación expresa: “el complejo de la Bella y la Bestia”, referido al empeño o deseo de la mujer que intenta cambiar al hombre para convertirlo en su príncipe azul.

Por tanto, lejos de tener todos los ingredientes de una historia de amor romántica, la relación puede ser hasta cierto punto tóxica o explicar incluso los mecanismos complicados, e irracionales, de ciertas relaciones amorosas.

Entrelazados por la fantasía de altura

Los actores de la serie, que llega hoy a Disney+, señalan que esta es la primera vez que se hace una producción tan costosa en Argentina

Uno de los grandes obstáculos a los que se enfrentan las producciones latinoamericanas al querer competir con lo que hacen industrias como la estadounidense o la europea es el presupuesto. Es por eso que pocas veces se busca realizar producciones de terror, fantasía o ciencia ficción, razón por la que Disney+ decidió apostar por su primera producción original en este territorio: Entrelazados.

De acuerdo con la actriz Elena Roger, la serie de fantasía creada en Argentina con talento local, busca ponerse a la altura de grandes franquicias como Star Wars o el Universo Cinematográfico de Marvel.

“Si este mismo proyecto, con este hermoso guión no habría tenido la cantidad de apoyo y dinero que debería tener podría haber sido un desastre y aquí se le ha apostado con todo, al nivel que la plataforma le apuesta a sus proyectos en Estados Unidos”, indicó Roger.

La misma idea la comparte la protagonista Carolina Domenech, quien da vida a Allegra y que señaló, esta es la primera vez que se hace una producción tan costosa en Argentina, lo cual marca un hito para la industria en su país.

“Hablábamos con el director y el productor que hasta ahora no había ciencia ficción en Argentina de este nivel, esa es la realidad, así que somos no sólo la primera apuesta de Disney+ también la de la industria argentina, porque al ver esta producción se darán cuenta que es una serie digna de estar en la misma plataforma en la que están los proyectos de Marvel y de Disney, no le pide nada a los otros productos”, señaló Domenech.

10 EPISODIOS tendrá la primera temporada de la serie, que estrena mañana en la Disney+.

Entrelazados, que estrena este viernes en la plataforma streaming, narra la historia de Allegra, quien desea ingresar a la compañía de teatro musical Eleven O’clock, pero su madre, Caterina, se opone.

La vida de la protagonista se altera por completo cuando encuentra un misterioso brazalete en su casa que la envía a 1994, cuando Caterina tenía su edad y daba sus primeros pasos en Eleven O’clock, a la sombra de su madre, una estrella en pleno auge de su carrera.

“Tiene que ver con los vínculos familiares, habla de saber de dónde vienen nuestros padres, abuelos y así poder entender porqué actúan cómo actúan, habla mucho del sacrifico que nuestra familia hace por nosotros”, comentó Carolina.

Además de ser una historia para jóvenes y adultos que planea lograr abrir la conversación entre la familia, Roger alaba que los escritores hayan optado por presentar una serie protagonizada por mujeres.

“Se plantea una especie de matriarcado. Es interesante ver que el personaje de Alegra tiene la fortuna de viajar en el tiempo y ver en persona todo lo que nosotros en la vida real lo tenemos que buscar a través de terapia, del sicólogo. Creo que la serie alentará a los padres a sentarse con sus hijos para hablar de su pasado y entenderse”.