Música

Pedro Fernández respeta al narco tanto como a los médicos

El protagonista de Malverde dice que no descartaría actuar en una narcoserie

Pedro Fernández se reserva su opinión sobre el narcotráfico en México y en América Latina, tema que de cierta forma tiene relación con su más reciente personaje como protagonista de la serie Malverde: el santo patrón.

Sobre lo que Fernández sí reflexiona es porqué Jesús Malverde es también llamado el “Santo de los narcos”.

“Sin duda alguna tiene que ver con que él nació en Culiacán, Sinaloa”, dijo.

El cantante celebra que esta semana esta historia llegó a México por el canal Unicable, a las 20:35 horas y con transmisiones de lunes a viernes.

Si bien en este caso se cuenta la vida del bandido que le hace justicia a su pueblo, y cual Robin Hood robaba a los ricos para ayudar a los pobres, en lo que se refiere al narco, Pedro no descarta que si en algún momento llega la invitación, también se pueda sumar a una de las llamadas narcoseries.

“No tengo nada en contra de eso, yo soy muy respetuoso de los quehaceres de las personas, así como de los médicos, de los abogados, de las personas que se dedican a este género, si lo podemos llamar”, explica.

“Tampoco me han presentado un proyecto como tal, yo creo que es una cuestión de ver qué tipo de proyecto es y basado en qué”.

Al intérprete de “Amarte a la antigua”, la historia en la que comparte créditos con Carolina Miranda, Mark Tacher, Luis Felipe Tovar e Ivonne Montero, entre otros, le deja la satisfacción de dar vida a un personaje que considera icónico y una leyenda de la historia nacional en tiempos de la Revolución mexicana.

Pero además, resalta los retos que implicó:

“Primero hacer una serie en medio de la pandemia con todo lo que esto representa, con un cuidado increíble, un protocolo de sanidad impresionante, tratando de mantenernos al 100 por no tener ningún contratiempo con la filmación”, dice.

A la par de este trabajo, el actor de 52 años ya se encuentra en grabaciones de Mariachis, donde compartirá créditos con personajes como Toño Mauri y Consuelo Duval y, aunque no puede revelar de qué tratara, sí explica lo que para él significa este género de la música vernácula.

“Desde los siete años canto en mariachi, es mi vida, es el género que me nace, que tengo en la sangre, que me encanta, que me ha permitido darme a conocer en el mundo”, admite el cantante, quien tiene 32 discos de estudio en su carrera musical, que inició a finales de los 70.

Twenty one pilots pone a vibrar al Corona Capital y tributa a Elton John en cierre del festival

– El dúo interpetó «Bennie and the jets», para la cual Tyler Joseph se puso unos lentes al estilo del británico y se sentó al piano

Un homenaje a Elton John, un público desbordado de energía y hasta una batería pasando sobre la gente, fue un poco de cómo se vivió la presentación de Twenty one pilots en el cierre del festival Corona Capital este domingo.

El dúo musical estadounidense nacido en Columbus, Ohio, era el más esperado de la noche y no decepcionó a su público entre los que estaban incluso niños bailando al ritmo de temas como «Stressed out», «Chlorine» y «Shy away».

«Se ven hermosos. Este es uno de mis lugares favoritos en el mundo para tocar música, gracias por invitarnos», dijo el vocalista y multi instrumentista Tyler Joseph.

Este domingo se registró, según cifras oficiales, la presencia de 62 mil personas, en el que fue el primer evento musical masivo en la Ciudad de México, luego del parón de actualidad de más de un año por la pandemia del Covid-19.

Como parte de este regreso se realizó un control sanitario donde los asistentes debían presentar constancia de vacunación completa o prueba PCR negativa. Además, se pidió el uso de cubrebocas y se instalaron diferentes puntos donde había gel antibacterial.

Después de una jornada con artistas como Pabllo Vittar y The bravery, fueron Twenty one pilots quien dieron por terminado el festival en su edición 2021 donde tanto Tyler prendió a su público con su voz y presencia en el escenario pero también Josh Dun, baterista, hizo lo propio.

El músico no sólo mostró virtuosismo en su instrumento, sino que además en un punto del show fue cargado en una plataforma junto a su batería para estar más cerca del público.

Además de sus temas propios que exploran géneros que van del hip hop al electrónico, rock y pop, el dúo se permitió algunos covers como «Bennie and the jets», de Elton John, para la cual Tyler se puso unos lentes al estilo del británico y se sentó al piano.

También hubo espacio para un momento más acústico con temas como «House of golf» donde tanto Tyler como Josh, acompañados por sus músicos, se sentaron con ukulele y cajón, respectivamente para hacer cantar al público y hasta instalaron una pequeña fogata en el escenario.

Segundo día del Corona Capital se vive como una Silent Party

Durante la jonada de este domingo en el Corona Capital, que se realiza en el Autódromo Hermanos Rodríguez , los DJ’s emiten música sólo para aquellos que la traen audífonos.

Como salido de una película futurista o una historia muy a la Black Mirror es como se disfruta la música en uno de los espacios del festival Corona Capital.

Así se vive la «Silent Party» o fiesta silenciosa dentro del Autódromo Hermanos Rodríguez en donde de la consola de los DJ’s no sale sonido para todos sino sólo para aquellos que traen audífonos y donde, por extraña que parezca la experiencia, hay fila de aquellos que quieren ponerse los audífonos y olvidarse de lo que sucede alrededor.

Es así como en un ambiente aún tranquilo para la tarde de este domingo se desarrolla el segundo día del festival, que marca el regreso de los eventos masivos a la Ciudad de México después de la pandemia del Covid-19, y donde ya tocan grupos como Alaina Castillo y Cautious Clay y cuyo mayor exponente del día es Twenty One Pilots.

Por la afluencia, la imagen de esta tarde no se parece a la de festivales previos a la pandemia, aunque hay escenarios más concurridos que otros; sin embargo los artistas que se presentan mantienen el ánimo con su público como el caso de Alaina:

«Ustedes son la mejor audiencia que he tenido. Sé que muchos de ustedes no saben quién soy pero les agradezco que estén aquí», compartió la joven de 19 años desde el escenario Corona Cero.

Regresan al trabajo

Lupita llegó desde el arranque de actividades este domingo a la entrada del recinto para vender coronas de flores con luces y pañuelos.

La vendedora ambulante agradece que de nueva cuenta existan eventos masivos, pues durante la pandemia se «encerró en su casa para estar con su familia».

Si bien el pasado viernes relata que sólo ganó 300 pesos en otro evento a las afueras de este mismo recinto, comparte que en el día uno del Corona Capital se llevó 800, cantidad que espera obtener también esta tarde de domingo.

Conciertos, documentales y películas (gratuitas) para celebrar el Día del Músico 

Para aquellos que prefieren seguir con precauciones para evitar cualquier contagio hay bastantes opciones (y gratuitas) de sentarse en el sillón y disfrutar de un concierto, documental, o película con el que celebramos el Día del Músico.

Este año el Día Internacional del Músico o simplemente Día del Músico llega bajo otro contexto: después del momento más alto de la pandemia, la posibilidad de volver a los conciertos en vivo para disfrutar de nuestro artista favorito es de nueva cuenta una realidad.

Sin embargo, para aquellos que prefieren seguir manteniendo precauciones para evitar cualquier contagio hay bastantes opciones (y gratuitas) de sentarse en el sillón y disfrutar de un concierto, documental, o película con el que celebremos el Día del Músico.

La fecha, por cierto, se celebra cada año el 22 de noviembre, es en honor a Santa Cecilia, considerada patrona de los músicos.

Contenido: documental: «How The Beatles Changed the World»

¿Por qué?: Si aún no conoces este espacio te adelantamos que tiene contenido de todo tipo desde películas hasta telenovelas, nacional e internacional, y completamente gratuito. Entre esos títulos está el documental «How The Beatles Changed the World», de 2017, que hace un repaso por el papel que la banda de Liverpool tuvo para revolucionar la música. Incluye entrevistas y material de archivo inédito.

Contenido: programa «Encuentro en el Estudio»

¿Por qué?: hace unos años Lalo Mir condujo este programa en el que se reunieron figuras de la música latinoamericana de la talla de Vicentico, Jorge Drexler, Los Auténticos Decadentes e Inti Illimani. Los artistas llegaban a los Estudios ION, en Argentina, donde eran entrevistados e interpretaban algunos de sus mejores temas.
De la charla con Lalo Mir surgían historias inéditas para el público, como por ejemplo la historia que Jorge Drexler relata de cómo con muy poco tiempo y presupuesto compuso el tema que le llevaría a ganar el Oscar, «Al otro lado del río».

Contenido: Videos Musicales

¿Por qué?: más allá de los memes que todos amamos, en esta red social hay una sección llamada Watch donde encuentras videos de todo tipo, entre ellos hay listas de reproducción por género musical, desde lo más popular de la semana hasta recomendaciones específicas relacionadas con la música que te gusta y los artistas populares como BTS y Justin Bieber.

Contenido: «27 Gone Too Soon»

¿Por qué?: Existe una leyenda que persigue a músicos de la talla de Jimi Hendrix, Amy Winehouse y Hanks Joplin y es que todos ellos tienen la maldición de haber fallecido a los 27 años, de ahí que se le llame «el club de los 27». En este documental se relata su vida tanto de éxito como de abusos y las circunstancias que rodean sus muertes.

Contenido: «Tiny Desk Concert»

¿Por qué?: músicos desde mundialmente conocidos hasta de la industria independiente han llegado a esta serie de conciertos del programa de radio All Songs Considered de NPR Music. El nombre «Tiny Desk» hace honor al escritorio de sus oficinas, en Washington D. C., donde los artistas toman asiento para un concierto acústico.
Harry Styles, Adele y The Cranberries son algunos de los nombres que han pasado por ahí así como también artistas latinos como Natalia Lafourcade, Juanes, Mon Laferte y Jorge Drexler.
Durante la pandemia el concepto se modificó a «Tiny Desk (home) concert» para que los famosos pudieran compartir su música desde su hogar. Entre los que se sumaron a esta nueva versión pandemia están Lenny Kravitz, Billie Eilish y Miley Cyrus.

¿Por qué Björk es tan amada?

En su aniversario 56, recordamos parte de la historia de la cantante que enamoró por su excentricidad y su peculiar forma de cantar

En su cumpleaños 56, Björk a veces presente y muchas otras ocasiones efímera, sigue produciendo esa curiosidad y fascinación de su público, el cual se ha diversificado. Hoy día, ya no son sólo a los cuadragenarios que en los noventa vivían su plena juventud, sino que las nuevas generaciones se han sumado y ensanchado las filas y los números de seguidores que agregan canciones de la cantante islandesa a sus listas de reproducción. Sin embargo, hay un enigma que gira en torno a la compositora e interprete, pues muchos se preguntan ¿por qué es tan amada? Aquí te decimos los porqués.

Björk, la representante de Islandia por excelencia

Björk se convirtió en la primera artista, proveniente de Islandia, que alcanzó fama mundial y, por consiguiente, el reconocimiento de toda su nación. Pero dicha notoriedad no llegó de manera sencilla, pues la cantante grabó su primer álbum a los 11 años y fue lanzado en 1977, en aquel tiempo aún se encontraba muy distante a pronunciarse musicalmente como lo haría décadas después, y sus singles se limitaron a «covererar» canciones infantiles de la región.

Adolescencia reveladora

Cuando la música cumplió 14 años decidió unirse a una panda de punk, llamada Spit and Snot. Un año más tarde, conformaría una nueva agrupación: Exodus, en la que imperaban melodías inspiradas en el jazz. Simultáneamente, Björk se graduó de la escuela de música. En la búsqueda de figurar como una artista musical, la cantante conformó un nuevo concepto, en 1982, en colaboración del bajista Jakob Magnússon: Tappi Tíkarrass tuvo mayor alcancé al formar parte del documental «Rock in Reykjavík». En la portada del filme puede verse a una Björk, de 17 años, con un vestido amarillo, una de las fotografías más icónicas de la cantante.

Björk descubre una nueva forma de cantar: los chillidos

Y se hizo la magia: por su paso por una nueva banda (Rokka Rokka Drum), la cantante experimentó dos de los eventos que cambiarían el rumbo de su vida, en esta etapa conoció al guitarrista Þór Eldon, padre de su primogénito -Sindri-, y comenzó a aventurarse con nuevas formas de vocalización. Esta suerte la llevó, por enésima vez, a la conformación de Kukl, grupo de corte oscurantista, que le abrió aún más el camino de la música. Sin embargo, no pasó mucho para que la agrupación se separara. Fue así que junto con Eldon continuaron probando suerte, convirtiéndose, con algunos de los integrantes de su más reciente banda, en Sugarcubes.

Björk se emancipa de la vida musical compartida

Con Sugarcubes, la cantante islandesa tocó sus primeras puertas en el extranjero, al firmar un primer álbum de afortunado reconocimiento en Estados Unidos, suerte con que no contó la próxima de sus producciones, por lo que Björk decidió hacer vida musical en solitario. Estos primeros pasos fueron de la mano de su incursión en el séptimo arte, dos de sus canciones fueron incluidas en «Sódóma Reykjavík», una película de culto islandesa.

Los 90, MTV y un mundo lleno de posibilidades

En 1993, la cantante comenzó a trabajar con la productora de Massive Attack, Nellee Hooper, de ahí nació Human Behavior, su primer éxito internacional y la llave maestra para ser transmitida en MTV, con un vídeo dirigido por el también poco usual Michel Gondry, y lo que les valdría el inicio de muchas colaboraciones venideras.

Reconocimiento y galardones

Su disco debut como solista fue nombrado Álbum del año por NME, recibió, además, reconocimiento en los Brit Awards, por las categorías de Mejor Mujer Internacional y Mejor Revelación Internacional. Su próximo proyecto fue Post, de 1995, el cual se ubicó en el puesto 373 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

Homogenic y lo demás es historia…

En 1997, cuando un sinfín de bandas alternativas comenzaban a gobernar en el mundo de la música, Björk no se vio amenazada por el surgimiento de nuevas propuestas que comenzaban a perfil la llegada de un nuevo siglo. Al contrario, fue con Homogenic, su tercer álbum, cuando marcó un notable cambio en su estilo melódico y el que se convertiría en el leitmotiv de su vida. Esta propuesta alcanzó el oro en Estados Unidos, durante el 2001. Fue así que tuvo la oportunidad de involucrarse en la cinta «Dancer in the Dark», de Lars Von Trier, en la que crearía la partitura de la película musical y, en la que sin advertirlo en principio, encarnaría a Selma, el papel protagónico que le entregaría la Palma de Oro por mejor actriz.

 

Rehusarse a hablar es equivalente a mentir: Britney Spears cuestiona el silencio de Christina Aguilera

Aguilera dijo que “no puede hablar” del tema de Spears y su tutela; la respuesta de Xtina no gustó en lo absoluto a Britney.

Britney Spears cuestiona el silencio de Christina Aguilera, quien se niega a hablar del caso #FreeBritney frente a medios de comunicación.

Spears posteó en sus historias de Instagram un video donde reporteros cuestionan a Aguilera si ha estado en comunicación con la Princesa del pop. Luego de la pregunta, un acompañante de Aguilera dice a los medios “No, no vamos a hacer esto hoy. Gracias”, a lo que Aguilera sólo responde “No puedo, pero estoy feliz por ella”.

La reacción de Xtina, como también se le conoce, no gustó en lo absoluto a Britney.

“Amo y adoro a todos los que me han apoyado… ¡pero rehusarse a hablar cuando sabes la verdad es el equivalente a mentir!”, escribió Spears en una historia de Instagram.

La cantante de “Toxic” cuestionó por qué a la gente le cuesta trabajo hablar del sistema “corrupto” y “abusivo” bajo el que ella estuvo durante 13 años.

“A todos aquellos que me apoyan y hablaron, gracias… ¡sí, yo importo!”, concluyó la cantante.

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En una siguiente historia, a modo de comparación, Spears subió un video en el que Lady Gaga declara que Spears se ha vuelto toda una inspiración para las mujeres y que espera que, después de su caso, el trato a la cantantes en la industria musical mejore.

“La forma en la que ella (Spears) fue tratada estuvo mal”, dijo Gaga.

Britney Spears agradeció a Gaga por “genuinamente tomarse un tiempo para decir algo lindo” y afirmó que su mensaje la hizo llorar.

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Evaluna llega sin más accesorio que su pancita a los Latin Grammy

La hija de Ricardo Montaner dijo que su único y más importante accesorio era su pancita que ya deja ver su avanzado embarazo.

Sin aretes ni collares llegó Evaluna a la alfombra roja de los Latin Grammy, y, como ella misma explicó durante la alfombra, eso se debe a que el único y más importante accesorio es su pancita. Lo que sí traía eran guantes y unas sombras que hacían juego con su vestido largo.

De la mano de Camilo, el artista más nominado de la noche, Evaluna aplaudió las nominaciones no sólo suya sino de su compañero de vida y de su padre, y externó que «si gana uno ganamos todos», mientras que Camilo se dijo emocionado por haber ganado tres premios antes de la ceremonia, tres de diez nominaciones.

«Gracias a Dios en este momento ya llevamos tres Latin Grammy, Mejor Canción Pop, Canción Tropical, con mi suegro, y la fusión urbana, con Rauw».

También agradecieron todo el amor y la conexión con su público que, dicen, sienten en sus corazones, y más con la noticia de que se convertirán en padres de Índigo.
«Estoy colaborando con la gente que admiro, en la mitad de una gira con la que estamos recorriendo el mundo, con la mujer que amo, un bebecito en camino», dijo Camilo. Evaluna agregó que aunque no hay mucho tiempo libre por el ritmo de trabajo, tratan de acoplarse a eso.

«No hay tanto, la verdad tratamos de mantener nuestros tiempitos de calidad y de introspección como prioridad, creo que lo hemos logrado bien hasta ahora».

Bebé de Mon Laferte la «acompaña» por primera vez a una alfombra roja

La cantante chile sorprendió en la alfombra roja del Latin Grammy al lucir un diseño que dejó ver su embarazo.

Feliz, radiante y a la espera de tener en brazos a su bebé fue como Mon Laferte llegó a la ceremonia de los Latin Grammy, pero además, llegó ya con un premio en las manos, el de Mejor Álbum Cantautor.

De acuerdo con sus propias palabras, es la primera vez que es este reconocimiento se otorga a una una mujer, por lo que propuso que el premio cambie de nombre a «Álbum Cantautore», como dijo al canal TNT.

Hace dos años, Mon Laferte fue el foco de atención durante la misma alfombra roja por alzar la voz en contra de los feminicidios, pues justo a la hora de posar para las fotos hizo un topless que dejó al descubierto la frase «En Chile Torturan, violan y matan».

Su atuendo en esta ocasión fue uno hecho exclusivamente para lucir su pancita. Además, la artista tendrá una presentación junto a Gloria Trevi, en el tema «La Mujer», desde la MGM Grand Garden Arena de Las Vegas.

https://twitter.com/monlaferte/status/1461455595270197252?ref_src=twsrc%5Etfw%7Ctwcamp%5Etweetembed%7Ctwterm%5E1461455595270197252%7Ctwgr%5E%7Ctwcon%5Es1_&ref_url=https%3A%2F%2Fwww.eluniversal.com.mx%2Fespectaculos%2Fmusica%2Fbebe-de-mon-laferte-la-acompana-por-primera-vez-una-alfombra-roja

Frío y lúgubre, así es el cuarto donde Marilyn Manson habría cometido múltiples vejaciones sexuales

Las supuestas víctimas de Brian Warner, nombre real del cantante estadounidense, revelan detalles del lugar donde fueron abusadas

Más detalles sobre las demandas de abuso contra Brian Warner, mejor conocido como Marilyn Manson, siguen saliendo a la luz, está vez la revista Rolling Stones ha revelado cómo era el escenario donde el cantante sometía a sus víctimas, lugar que ya había sido mencionado por diversas mujeres en entre febrero y mayo del 2021.

Después de realizar 55 entrevistas a víctimas del interprete de «The Beautiful People», donde ellas relataban los horrores a que eran sometidas en el departamento del cantante, ubicado en West Hollywood; en un periodo entre 2007 y 2010, muchas coincidieron en haber estado en una habitación llamada «el cuarto de las chicas malas».

Se traba de un espacio que anteriormente fue una cabina de grabación de un estudio de música electrónica, por lo cual esta área se encontraba insonorizada, es decir, no entraba ni salía ruido; es ahí donde mujeres como la modelo Ashley Morgan o la actriz Esmé Bianco aseguran haber sido violadas, humilladas y hasta mutiladas por el cantante.

«Hay una diferencia entre despertarse con alguien que quiere tener sexo contigo cariñosamente por la mañana y despertar atado con alguien que tiene sexo con tu cuerpo inconsciente», relató Morgan a la revista People en mayo pasado, asegurando que Manson la drogaba para mantenerla despierta y en una ocasión la cortó en el vientre y bebió su sangre y luego la obligó a hacer lo mismo con él para realizar un pacto de sangre, todo esto en el «cuarto de las chicas malas», donde asegura haber estado más de 100 veces tras tratar de revelarse.

Ryan Brown, un ex asistente de Marilyn Manson con quien trabajó ocho años, dice no haber visto nunca a ninguna mujer encerrada ahí, pero era de conocimiento de todos (disquera, manager, banda y demás) la existencia de este cuarto.

Las víctimas también describen al resto del apartamento como un lugar lúgubre, donde desde las paredes hasta las sábanas de la cama eran de color negro y el lugar estaba decorado con lo que parecía ser sangre y símbolos nazis, pero sobre todo reinaba un frío terrible, porque al cantante le gustaba mantener la temperatura a 18 grados centígrados y si alguien más modificaba esto tenía arranques de cólera, así que era conocido como el refrigerador negro o el armario de carne.

Muchas de las mujeres que dieron su testimonio a la revista Rolling Stone, han asegurado que Brian Warner se ha escudado en el personaje de Marilyn Manson para hacer sus atrocidades, y lo peor es que la industria del entretenimiento lo ha protegido, convirtiéndolo en un depredador sexual que siempre ha dicho quién es durante 25 años.

Tanto los abogados del artista como el propio Manson han negado las demandas y los testimonios de las víctimas, reduciéndolos a simples ataques de exsocios del cantante, que han utilizado detalles de su vida privada y relaciones consensuales, aprovechándose de la imagen del artista.

El horror detrás de la superestrella

En febrero de 2021 la actriz Evan Rachel Wood revelaba a través de su cuenta de Instagram el nombre del abusador, Brian Warner o Marilyn Manson, de quien tantas veces había hecho mención, porque estaba harta de vivir con miedo a las represalias y debía advertir a las posibles futuras víctimas del cantante, sobre quién era y así dejara de arruinar vidas. Ella conoció al cantante cuando tenía 19 años y él 38, su relación tuvo dos periodos, en 2007 y después 2010.

Gracias a este testimonio la modelo Sarah McNeilly describió cómo Manson la abusaba emocionalmente y cómo marcó su cuerpo, además de aislarla de su círculo de amigos varones y de vivir violencia física, razón por la cual hasta el día de hoy sufre estrés postraumático.

“La razón por la que finalmente estoy compartiendo esta experiencia traumática es por mi curación y porque he terminado de estar en silencio. No creo que sea justo que alguien no sea responsable de sus horribles acciones. No soy una víctima. Soy una superviviente», dijo la artista Gabriella, quien conoció a Manson en 2015 en un backstage, cuando ella tenía 22 años y él 46.

Jackson saca a The Beatles de los reflectores

Peter, director de la serie de tres episodios, cuenta que más allá de crear otro documental, buscó humanizar al grupo y retratar la convivencia entre sus integrantes

Irremediablemente, el nombre de Peter Jackson está conectado a El señor de los anillos, de cuya adaptación cinematográfica estuvo a cargo, pero ahora se le suma un nuevo nombre igual de emblemático: The Beatles.

El director neozelandés, conocido mundialmente por la franquicia basada en los libros de J. R. R. Tolkien, ahora busca retratar una época en particular en la vida pública del grupo británico conformado por George Harrison, John Lennon, Ringo Starr y Paul McCartney.

The Beatles: get back es la serie documental de tres capítulos comandada por Jackson, en la que aborda la icónica época en la que el cuarteto de Liverpool hizo su histórico concierto en la azotea de los Apple Corps.

“Querer englobar toda la historia de los Beatles en tres capítulos es algo imposible y esa nunca fue nuestra intención, queríamos retratar una época en específico y en ese camino tuvimos acceso a más de 60 horas inéditas de metraje para este trabajo que refleja tanto momentos históricos, así como al grupo fuera de los reflectores, cómo trabajaban todos juntos en el estudio”, comentó Jackson en conferencia de prensa.

El resultado, que estrena a través de la plataforma Disney+ el 25 de noviembre, relata el día a día de la gestación de Let it be, el último álbum de la banda publicado en 1970.

Para poder tener acceso a material pocas veces visto, Jackson y Disney trabajaron de mano de Apple Corps, corporación fundada por los rockeros y dueña del legado del grupo.

Aunque la relación entre ambas partes era buena, ¿qué buscaba hacer Jackson con ese material y qué aporte le daría al patrimonio del grupo ? La respuesta del cineasta es sencilla y contundente: “humanizar al grupo sin buscar destruir la imagen que se tiene de él”.

Además de invitar al público a ser testigo del trabajo de los cuatro artistas, el documental también muestra el ambiente de tensión que existía en la banda previo a su desintegración.

60 horas de material inédito fueron a las que tuvo acceso Peter Jackson para hacer la serie.

“Nunca buscamos hacer un documental aburrido o bibliográfico, no queríamos testimonios de gente de aquella época, queríamos que el material que teníamos hablara por sí solo”.

Jackson considera que aunque en el punto en que surge este documental ya había fricciones entre los integrantes de The Beatles, no cree que tuvieran prisa en disolver la banda, para muestra, el trabajo de Let it be, tras dos años de no grabar.

“Ellos querían regresar a los escenarios como grupo, eso es evidente. Simplemente creo que cada uno se estaba replanteando a The Beatles, pues mientras algunos querían shows más íntimos y sin tantos reflectores, otros amaban las multitudes y eso creo que fue lo que orilló al grupo a desintegrarse”, consideró Jackson.

Comentó que para Ringo Starr y para Paul McCartney, The Beatles: Get back les resultó interesante y revelador, ya que ninguno recuerda detalles que se muestran en la serie.

“Ya lo vieron. Cada uno vivió las cosas y le dio un significado distinto en aquellos años. Pensé que me pedirían editar para no mirar ciertas cosas, pero no. Pese a que se muestra una cara de ellos poco vista, creo que les agradó el trabajo”.